“色彩之巅”现场探访：走进粉色展区，看丰塔纳割破画布，毕加索描绘第一任妻子 - 今日头条

“色彩之巅！法国蓬皮杜中心馆藏艺术大师特展”年初在北京民生现代美术馆开幕后备受关注。展览呈现了100余件法国蓬皮杜中心馆藏的20世纪大师作品，观众得以近距离鉴赏毕加索、夏加尔、莫迪里阿尼、达利、玛格丽特、苏丁、丰塔纳、波洛克、德·库宁、考尔德、安迪·沃霍尔等现代主义艺术大师的杰作。新黄河记者赴现场探展，带您解读重点展品。

蓬皮杜艺术中心是全球著名的现代艺术机构之一，1977年在巴黎市中心落成开放，历经多年积累，其现代与当代艺术藏品现已超过12万件。2025年蓬皮杜艺术中心闭馆修缮，在此期间通过“星群计划”推进国际巡展，“色彩之巅”主题特展是其中重要一站。

此次展览丰富的展品呈现了西方现代艺术的革新与探索历程，但展览的独特之处在于，摒弃了作品创作的时间、地域、所属流派等传统分类，而是以彩色、粉色、蓝色、红色、绿色、黄色、白色、黑色等“色彩”为核心主题，将法国蓬皮杜中心重量级馆藏分类。色彩不仅是视觉元素，更是文化意义、哲学思考、情感表达和个人身份探索的核心载体。希望观众能够不带先入之见，不受权威知识的影响，以直觉感受作品的节奏和能量，以分析判断的方式感知艺术。

展览现场

丰塔纳为什么要割破画布？

粉色被中国人称为“桃色”，诗人用“人面桃花”形容女子姣好的面容。粉色自古就与春天、女性美、浪漫情事关联，常与消费文化及流行文化挂钩。这个区域的展品数量较多，也吸引了很多观众驻足，有几件非常独特的作品和作者值得一看。

走进这个区域，观众很容易被几张破损的画作吸引，在纯粉底色的画布上，要么被扎破无数个孔洞，要么被利刃割破长长的口子——这就是意大利国宝级艺术家卢齐欧·丰塔纳（1899-1968）的作品。在自然界中，我们常常看到很多孔洞和裂缝，但不是每一个都有意义，都能指引人们通往神秘和震撼。丰塔纳为什么要在创作时利用孔洞和割痕进行创作？

卢齐欧·丰塔纳《上帝的终结(63-FD.17)》1963年 布面油彩，穿孔

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丰塔纳创造的“孔洞系列”，改变了传统绘画的平面性和对真实空间的模拟，通过弄破画布，创造出真正拥有空间的东西，用来暗示某种窥探和介入。这也让观众看到，现代艺术的追求非常多元，没有统一标准。

始于1957年至1958年的“割裂系列”则更是丰塔纳的代表性作品，平整的画布和均匀的底色让人忘记眼前的一切只是画布上的一道裂缝，尖锐的切割让人忘记刀尖与画布之间的阻力，小小的裂缝制造出极大的张力，能让人从小裂缝中唤醒极大的想象力。“我作品上的割痕首先是一种哲学表达，是对无限的信仰之举，是对灵性的肯定，”卢齐欧·丰塔纳于1962年在《名利场》杂志上如此宣称。

对观众来说，这种作品的抓人眼球在于，它容易让人联想起锋利的刀刃一下劈开，给人纯视觉的满足。尤其是割痕中露出的并不是后面的墙壁，而是作者特意制作的黑色的背景，这会显得这些割痕更加锐利，以至于让人产生各种各样的联想。观众很想从这些孔洞中往后看，后面的一切也可以从洞中挤到前面来。

卢齐欧·丰塔纳《空间概念，期待（T.104）》1958年 布面乙烯、切口

毕加索画里的女人是谁？

此次展览“粉色区域”展出的巴勃罗·毕加索（1881-1973）在1920年创作的《阅读的女人》也是非常值得一看的一件作品。不过，并不是因为这件作品是粉色色调，就代表这是毕加索“粉色时期”的作品。

毕加索早年的风格变化比较大，先后经历过以冷峻的蓝、蓝绿色为主调的“蓝色时期”（1901-1904），和色调转为温暖的粉红、橙色调的“粉色时期”（1904-1906），蓝色时期的作品以表现贫困、孤独、忧郁主题为主，粉色时期的作品情感趋于柔和，主要表现的是马戏团演员、小丑等边缘人。

后来，他受非洲雕塑启发，开始简化形体、强调几何结构，他进入“立体主义萌芽”时期（1907-1909）。之后，他又进入将物体分解为几何切面的“分析立体主义”时期（1909-1912）以及引入拼贴手法的“综合立体主义”时期（1912-1919）。

巴勃罗·毕加索《阅读的女人》1920年 布面油彩

这件在1920年创作的《阅读的女人》则是毕加索在充分研究和探索过立体主义之后，回归过一段时间新古典主义时期，这一阶段，具象形式与古典形式的创作风格，在画面中融合了一定的超现实主义风格的元素，所以，这件作品是毕加索“新古典主义”时期的作品。画中女子的原型，通常被认为是毕加索的第一任妻子、乌克兰芭蕾舞演员奥尔加·科克洛娃（Olga Khokhlova）。

毕加索与奥尔加 资料图片

据了解，1917年，毕加索在罗马为俄罗斯芭蕾舞团设计布景时，结识芭蕾舞者奥尔加·科克洛娃。奥尔加出身名门，是俄国一名上校的女儿，这位兼具东方神秘与古典气质的舞者，成为毕加索将新古典主义理念付诸实践的理想模特。为追求奥尔加，毕加索为她画了许多画，并一再承诺他想和奥尔加·科克洛娃白头到老。奥尔加·科克洛娃在1918年嫁给了毕加索，并且成了毕加索的专属模特。然而美好的开始并没有一个幸福的结局，奥尔加喜欢过上流社会生活，毕加索也跟着成为巴黎上流社会的常客，很快，奥尔加追求的生活方式就令毕加索感到压抑，1921年奥尔加为毕加索生下儿子保罗，随后两人关系开始恶化，毕加索很快有了婚外情，1935年毕加索因为拒绝平分财产而拒绝离婚，直到1955年奥尔嘉死于癌症。大儿子保罗也成为毕加索一生中唯一的一个婚生子，其他三个孩子都是非婚生子。

毕加索为奥尔加绘制的大量肖像，都以古典风格表现其端庄之美。这种新风格汲取了多元的艺术养分，在这幅《阅读的女人》画作中，人物雕塑般的凝重与壁画般的色调，共同唤起了人们对古罗马装饰艺术的遥想。

展览现场

库普卡：联觉与色彩宇宙

值得一提的是，这场展览在策展理念上也突破了传统的观展模式，特别设置了七个单色空间，并联合声音艺术家与香氛艺术家，为每个色彩空间创作专属的声音场景与香氛装置，共同打造出一个沉浸式的多感知艺术现场。在这里，观众不仅仅是在“看”色彩，更可以“听”到色彩的律动、“闻”到色彩的情绪——这种全感官的体验方式，引导人们重新思考色彩在现当代艺术中所承载的多维角色与可能。

这样一种布展方式，很容易让人联想到心理学与艺术创作中常被提及的“联觉”概念。所谓“联觉”，指的是多种感官汇聚交融，在人的意识深处形成一种复合的感知联动。每个人的联觉触发点各不相同：有人对声音格外敏感，有人更容易被气味触动，但这些都源于人最本真的基础感受。正因如此，联觉对于抽象艺术家而言，往往具有至关重要的意义。眼前一幅抽象画，可能不仅是色彩与形式的组合，还包含着一段音乐、当时的气氛、艺术家的状态，这些元素共同构成了一个心灵之境或心灵之景。这种回忆，无需调动任何现实的资源就能直抵人心。

弗朗齐歇克·库普卡《粉色浪漫1号》1923年 布面油彩

捷克画家弗朗齐歇克·库普卡就是一位非常强调“联觉”的艺术家。作为抽象艺术最早的先驱之一，库普卡因种种历史原因，在过去相当长的时间里，并未获得与其艺术创作能力相匹配的知名度。在本次“色彩之巅”大展，观众有机会近距离欣赏到他的多幅代表作。

创作于1923年的《粉色浪漫1号》构建了一个近似矿物世界的微观宇宙：蓝色与绿色从画面边缘向外飞溅，淡粉色经由红色过渡到橙色，最终渐变成紫色。更耐人寻味的是，蓝色与绿色之间富于变化的对比关系，反而让粉红色显得愈发柔和；而那些锐利的线条，又恰好强化了粉红色系所对应的曲线与体积感，使整个画面在色彩的交响中达到某种微妙的平衡。

展览预计持续至4月15日，其间北京民生现代美术馆还将推出一系列学术讲座、亲子美育及色彩疗愈工作坊等公共教育活动。

编辑:邢媛 记者:邢媛 摄影:邢媛 校对:刘恬 摄像:邢媛 剪辑:邢媛